INTERVIEW WITH… STEFANO CORSOINTERVISTA CON … STEFANO CORSO

Researched by Roberta Pastore

STEFANO CORSO

Professional photographer. He’s born in Rome in 1968 and he lives between Berlin and Rome. Founder in 2010 of the Scuola di Fotografia 42mm Arti Fotografiche(School of Photography 42mm Photographic Arts).

He’s been invited speaker for different italian shows, as street photographer: Photoshow (Milan and Rome), Fotografica 2012 (Milan) and at the “Festival della Fotografia di Pesaro” in 2013.

His photo Red Rain is on a worldwide distribution as artistic poster by the Image Conscious (http://www.imageconscious.com/) – California (US)

He’s the curator of the blog “Fermo Immagine” on the italian news television (RAI) website (http://fermoimmagine.blog.rainews.it)

His website: http://www.stefanocorso.com

Going back in time how was your passion for photography born and how did you start in the professional world of photography?

I think I have always had a camera in my hand, the first film cameras I had I am still using them nowadays after many years and I am still actively collecting them. I have always aimed my approach to photography to capture moments that surprise me, the technique took a secondary importance and it got better over time on its own. I have always considered technique important only, as I think it should, if it is at the service of the result. I did arrive to professional photography in unaware way, I started receiving assignments from people that had seen my pictures over the internet, so much that I started considering the hypothesis of leaving my old job to take on photography full time.

Considering your works, which ones marked your entrance in the world of real photography?

I would not describe them as “jobs” as personal way to look at reality. I was born as a Street Photographer and the street has always been my photographic gym. Of this genre of photography, I always liked the possibility to alter the perception of reality, extracting from it, unique sensations and emotions, showing stories that appear to be different and surreal, without building something new but simply giving  a new reading interpreting by simply changing the point of view. Two people that do not know each other or two anonymous objects, put together can tell a story that does not exist in reality. With this type of photo, I was first published on magazines and books. I still can remember the emotion for the first photo purchased in Germany to be a cover of a book.

How do you manage colour and B&W?

I do not prefer B&W to colour, I have found out that each single photo has the final treatment already inside since the shooting phase: I have discovered that I am using B&W for the photos that I consider “without time” and the colour for the more “contemporary” ones.

Which kind of camera do you use?

Several, my working camera is a Canon 5D Mark III. However, since I am collecting cameras of different ages, I do use for fun the film cameras, in the 35 mm as well as the medium format; the latest purchase is an old wood camera from the early 900, without shutter, for which I had a friend build a new holder to use the 4×5 films on sale today. I develop and print the film personally. Obviously, with this camera I do not do any street photography. I must add that, strangely, I love to take photos with Instagram, especially when I am travelling.

What determines if a photo is “good one” or not?

I think that a photo “accomplish” something if it has its own content and if such content is understood and seen by the photographer and then the rest of the world can share and understand it . I have discovered that my attention is drawn by photos that hint to a story, to something that started before the photo was shot or that will continue after it, such photos will hasten memories, feelings and emotions. A photo can achieve something when the vision of the photographer manages to be communicated, felt and experienced by the viewer. We have a great power such as photographers; we can stop reality, and while interpreting it therefore change its understanding. We can crop it into a rectangle, excluding parts of it that have a life beyond the event as it unfolds.

When you are shooting, do you have an image in your mind? Do you build the final photo before shooting it or are your images also a result of a post-production phase?

 When I shoot, I feel something that can be experienced or known, simply because it has already been lived in the past. With photography, I try to take it out and make it visible, first to myself; I think most photographers shoot for themselves and to understand their own original way of perceiving the world. The post-production is just one more step that can be used to interpret this feeling, but as I said before most of the time is already inherent in the idea of the photo.

What training did you follow? Who inspired you?

My inspirations have been and still are many, I believe that the contaminations between photographers enrich and stimulate creativity and originality; like many little challenges that you take to constantly improve yourself. In addition to numerous classics of the past, from Doisneau to Erwitt, I owe much to two people. The first is the photographer Peter Turnley, a photojournalist for numerous international publications and when young an assistant for Doisneau, met by chance in New York, which unconsciously started myself with my idea of photography. The other, a friend photographer, Hughes Leglise-Bataille, which unfortunately died a few years ago, by who I was inspired and with who I compared and “played” photographically for years over Internet. His series “A stroll in Paris” continues to be one of the foundations of my way to see photography.

A cura di Roberta Pastore

STEFANO CORSO

Fotografo professionista. E’ nato a Roma nel 1968 e vive tra Berlino e Roma. Fondatore nel 2010 della Scuola di Fotografia 42 millimetri Arti Fotografiche.

E’ stato il relatore di diversi spettacoli italiani, come fotografo di strada: Photoshow (Milano e Roma), Fotografica 2012 (Milano) e al “Festival della di Fotografia di Pesaro” nel 2013.

La sua foto Red Rain è su una distribuzione a livello mondiale come poster artistico dell’immagine Conscious (http://www.imageconscious.com/) – California (USA)

E’ il curatore del blog “Fermo Immagine” della RAI radio televisione  italiana  al sito web (http://fermoimmagine.blog.rainews.it)

Il suo sito: http://www.stefanocorso.com

Tornando indietro nel tempo, come è nata la tua passione per la fotografia e in che modo ti sei affacciato nel mondo professionale?

Credo di avere sempre avuto una macchina fotografica in mano, le prime macchine in pellicola che ho avuto le utilizzo ancora oggi a distanza di anni, e continuo a collezionarne di nuove. Il mio approccio alla fotografia è stato sempre rivolto a raccogliere momenti e a lasciarmi sorprendere da questi, la tecnica ha avuto e un rilievo secondario e nel tempo si è rafforzata naturalmente. L’ho sempre pero’ considerata, come credo debba essere, solo ed unicamente a servizio del risultato. Sono approdato alla fotografia professionale in maniera inizialmente inconsapevole, ho cominciato a ricevere incarichi da persone che vedevano le mie foto su internet, tanto da farmi cominciare a considerare l’ipotesi di lasciare il mio vecchio lavoro per dedicarmi a tempo pieno alla fotografia.

Per quanto riguarda i tuoi lavori, quali sono quelli che hanno segnato il tuo ingresso vero e proprio nel mondo della fotografia? 

Non parlerei di veri e propri lavori, ma di un modo probabilmente personale  di vedere la realtà. Nasco come fotografo di strada e la strada è sempre stata la mia palestra fotografica. Di questo genere di fotografia mi è sempre piaciuto reinterpretare la percezione della realtà, estraendo da questa sensazioni ed emozioni personali e  mostrando storie differenti e surreali, non costruendolo ma reintepretandole semplicemente cambiando il punto di vista.  Due persone inconsapevoli che non si conoscono o due oggetti anonimi, messi insieme posso raccontare una storia che non esiste nella realtà. Con questo tipo di foto ho cominciato a comparire su riviste o pubblicazioni. Mi ricordo ancora oggi l’emozione  tanti anni fa della prima foto acquistata  in Germania per una copertina di un libro.

Come gestisci l’uso del colore e del b/n nelle tue foto?

Non ho solitamente particolari predilezioni per il bianco e nero o il colore, trovo invece che ogni singola foto abbia già in fase di scatto il trattamento insito. Mi accorgo che spesso uso il bianco e nero per le foto che considero “senza tempo” e il colore per le foto più “contemporanee”.

Che tipo di macchine usi per scattare ?

Numerose, la mia macchina macchina di “lavoro” è una Canon 5D Mark III. Ma collezionando macchine di epoche passate scatto per mio  divertimento in pellicola con macchine a 35mm, medio formato e l’ultimo acquisto una vecchia macchina in legno di inizio ‘900 senza otturatore a cui ho fatto costruire da un amico un nuovo portalastre per poter utilizzare le pellicole 4×5  in vendita oggi. Pellicole che poi stampo e sviluppo personalmente. Ovviamente con questa macchina non faccio foto di strada. Aggiungo che paradossalmente mi piace molto scattare con telefono tramite instagram, specie durante i miei frequenti viaggi.

Cosa determina la riuscita o meno di una foto?

In linea generale penso che una foto “riesca” quando ha un contenuto e questo contenuto colto ed interpretato dall’autore sia possibile condividerlo e farlo comprendere all’esterno. Mi accorgo come spesso la mia attenzione venga attratta da foto in cui l’immagine è solo l’innesco di una storia, che inizia prima della foto stessa o continua dopo di questa, in cui vengono sollecitati ricordi, sensazioni od emozioni. Una foto riesce quando la visione del fotografo riesce ad essere comunicata, sentita e vissuta da chi guarda. Abbiamo un grosso potere come fotografi, possiamo fermare la realtà, interpretarla ed interpretandola cambiarla nella sua lettura, possiamo ritagliarla escludendone parti in un rettangolo che prende vita al di là dell’evento nel suo svolgimento.

Quando scatti, hai un’immagine in mente? Progetti la fotografia finita prima della realizzazione o le tue immagini sono il risultato di una riflessione in fase di post-produzione?

Quando scatto ho una sensazione, che può essere vissuta o semplicemente conosciuta perché vissuta in passato. Con la fotografia cerco di tirarla fuori e renderla visibile prima di tutto a me, ognuno credo che in gran parte fotografi sé stesso e il proprio modo originale di percepire il mondo. La post-produzione è solo un di più che serve ad interpretare questa sensazione, ma come dicevo prima il più delle volte è già insita nell’idea della foto stessa.

Che percorso formativo hai seguito? A chi ti sei ispirato?

I modelli sono stati e sono tuttora numerosi, credo che le contaminazioni tra fotografi arricchiscano e stimolino la creatività e l’originalità, come tante piccole sfide che ti portano costantemente a migliorarti. Oltre a numerosi classici del passato, da Doisneau a Erwitt, devo molto a due persone. La prima il fotografo Peter Turnley, fotoreporter per numerose testate internazionali e assistente da giovane di Doisneau, incontrato per caso a New York, che mi ha inconsapevolmente avviato ad una mia idea di fotografia. L’altro, un amico fotografo, Hughes Leglise-Bataille, che purtroppo è venuto tragicamente a mancare qualche anno, da cui mi sono ispirato, confrontando e “giocato” fotograficamente per anni via internet. La sua serie “A stroll in Paris” continua ad essere una dei fondamenti del mio modo di vedere la fotografia.